Reconhecido artista francês, Hervé di Rosa nasceu em Sète em 1959. Foi aluno da Escola Nacional de Artes Decorativas e aos vinte anos já exibia o seu trabalho em Paris, Amsterdão e Nova Iorque. Em 1981 funda o movimento Figuração Livre com Robert Combas, François Boisrond e Rémi Blanchard. Foi também o inventor da noção de “arte modesta” que levou à inauguração no ano 2000 do MIAM - Museu Internacional das Artes Modestas em Sète.

Desde 1978 que busca o conhecimento artístico local, artesanal, empreendendo muitas viagens no que designou Autour du Monde. Esteve no Vietname a aprender a trabalhar a laca, e nos Camarões, a pérola, a madeira e o bronze. Tunísia, Bulgária, Gana, África do Sul, México, Israel, entre outros, são alguns dos países onde esteve a aprender com os artesãos. Desde 2016, e realizando a sua 19ª viagem, tem estado em Portugal e na Viúva Lamego a aprofundar os seus conhecimentos sobre cerâmica e azulejo. Desta forma, o artista vai diversificando as suas abordagens artísticas, juntando novas técnicas às suas, onde cruza a pintura, a escultura, a instalação, a banda desenhada e elementos da cultura pop, graffitis e arte africana.

Desde 1981 efetuou mais de 250 exposições individuais e está representado em grandes coleções públicas e privadas em Europa, Américas e Asia. Atualmente tem patente no MAAT - Museu de Arte, Arquitectura e Tecnologia, a exposição "Archipelago Hervé di Rosa” que exibe obras da coleção do MIAM. Até 4 de setembro, a não perder.

Por ocasião da exposição em Portugal e da nova serigrafia realizada para o CPS no contexto do evento, entrevistámos o artista.

 

Para quem visita sem dados prévios a exposição "Archipelago Hervé di Rosa” é surpreendido de forma avassaladora pela diversidade de universos criativos visuais. Surge de imediato a pergunta de como o artista chegou a tanto. Porém, devemos começar pelos primórdios. Como iniciaste o teu percurso artístico?

Sempre desenhei. Muito novo ainda, pensei que preferia dirigir-me para a banda desenhada ou ilustração que eram as únicas imagens que existiam em Sète, pequena cidade onde nasci e onde vivi até aos meus 18 anos. Essas revistas ilustradas tiveram uma influência enorme sobre mim. Na adolescência, as revistas de arte tomaram o lugar das revistas de banda desenhada.

O que acontecia no final dos anos 1970 em galerias e museus em França pouco me interessava. Eu precisava de imagens e que o ato de pintar fosse um prazer. Concluí o meu bacharelado no Lycée Paul Valéry em Sète. Depois fiz um ano preparatório nas Belas Artes de Sète e finalmente fui admitido na Escola Nacional de Artes Decorativas de Paris. Após dois anos nessa escola, comecei a vender e a expor! A minha primeira exposição individual foi em 1981, aos 21 anos. Dois anos depois fui para Nova York graças à bolsa do prémio Villa Medici. E as exposições sucederam-se até hoje.

 

Qual a relevância do movimento da Figuração Livre que ajudaste a criar?

No final dos anos 70, o mundo da arte era dominado pela arte conceitual, pela arte minimalista ou, em França, pelo movimento “Support Surface”. Éramos um grupo de amigos que saímos das escolas de arte, estávamos cansados desses predomínios, e também todos adorávamos banda desenhada, ilustração, arte bruta, expressionismo etc. Também queríamos viver da produção das nossas imagens, sem sermos subsidiados pelo Estado ou sermos professores numa escola de arte, o que era um pouco o futuro dos artistas em França naquele período. Tivemos a inteligência de nos reagrupar, por apenas alguns anos, o tempo de impor outros pontos de vista a um mundo da arte que, a nosso ver, estava completamente esclerosado naquela época.

 

Espiritualidades, metamorfoses, outsiders ou literatura de cordel são alguns dos núcleos da exposição "Archipelago Hervé di Rosa”. Podes fazer um breve resumo da mesma?

Para a exposição no MAAT, tentámos, com minha equipe de MIAM e a curadora Noellig le Roux, resumir o trabalho de coleção que faço, e que o MIAM assume há décadas. As artes modestas associam todas as margens e periferias dos diferentes territórios da criação. As nossas coleções parecem ecléticas, mas têm em comum os artistas, muitas vezes artesãos anónimos que produzem imagens e objetos, obras de arte ou artesanato, que procuram por necessidade fazer o melhor. Objetos e imagens muitas vezes inúteis que visam embelezar a vida cotidiana, enriquecê-la. Podem ser aqueles livrinhos vendidos nas ruas de cidades brasileiras que contêm letras de canções populares, sob lindas capas de xilogravura. Podem ser divindades das muitas religiões da terra, em plástico, em madeira ou em cerâmica, estatuetas de plástico, representando os personagens de séries de televisão ou filmes de grande sucesso, publicados em milhares de cópias. Pode ser a produção invisível de um artista, escondido, que não deseja expor. A arte modesta é tudo isso e muito mais. A arte modesta reúne tudo o que não olhamos, a arte modesta é um novo olhar sobre os objetos e imagens que nos cercam.

 

 

"Archipelago Hervé Di Rosa", exposição patente no MAAT, em Lisboa, até 4 de setembro de 2023.

 

Com uma das ilhas afetuosamente dedicada ao trabalho do teu pai, qual a sua influência na tua obra?

Durante toda a minha infância, vi o meu pai, à tarde - o seu único tempo de lazer para além da caça e da pesca, e do seu trabalho durante a noite na companhia ferroviária francesa – a fazer meticulosamente, em madeira e em cortiça, a reprodução de aves aquáticas e limícolas que caçava à beira do lago Thau. Depois colava os olhos de vidro, montando pés de pássaros reais com pedaços de arame no corpo de cortiça, finamente esculpido e pintado com tinta de óleo. Para a criança que eu era, essas criaturas nasceram das suas próprias mãos, foi mágico! Não frequentava museus, que não existiam na minha cidade, e estas esculturas de cortiça foram sem dúvida as minhas primeiras sensações artísticas. Há muito tempo que o meu pai não pode fazer mais e guardo com muito carinho esta coleção, que mostro frequentemente nas minhas exposições.

 

Como encaras o papel do artesão e da oficina num mundo dominado pela tecnologia?

Muitas peças das coleções MIAM vêm de artesãos. Eu próprio já trabalhei com muitos artesãos de todo o mundo no meu projeto Autour du Monde, para aprender a usar certas técnicas que desconhecia: laca no Vietname, bronze nos Camarões ou cerâmica em Portugal por exemplo. Adoro experimentar materiais e técnicas e as práticas artesanais dão um mundo infinito de possibilidades. Mas não quero entrar no debate errado e não defendo forçosamente as tradições. Interessa-me aprender técnicas por vezes desaparecidas, como a técnica de pintura têmpera sobre madeira que os pintores de ícones utilizaram há vários séculos. Mas também me interesso muito por novas tecnologias, impressoras a laser, programas para desenhar e pintar. De facto, a exposição atual no MIAM “fait machine” é dedicada a jovens artistas que utilizam essas novas tecnologias, mas de forma muito artesanal e usando materiais como terra, lã ou vidro. As novas tecnologias da imagem têm grande interesse para mim. Por exemplo, interesso-me muito por tudo o que acontece nos videojogos, onde encontro uma criatividade de tirar o fôlego.

 

 

 "Archipelago Hervé Di Rosa", exposição patente no MAAT, em Lisboa, até 4 de setembro de 2023.

 

Fala-nos das tuas viagens por todos os hemisférios, no âmbito de Autour du Monde, e da mais recente a Portugal onde resides há vários anos.

No final dos anos 80, sentia um certo cansaço do meu atelier. Antes, viajei muito pelos Estados Unidos e pela Europa, enquanto continentes inteiros ainda me eram desconhecidos. Como detesto viajar para passear, viajei para aprender. Fui notando que o mundo era rico na criação de objetos e imagens. E que as técnicas utilizadas, ancestrais ou contemporâneas, definiam, determinavam o objeto ou a imagem criada, conferindo-lhe uma originalidade e um sabor inigualável. Acima de tudo, procuro mudar a minha própria linguagem, torcê-la, fazê-la ser interpretada por outras mãos, por outros materiais. Quero utilizar técnicas ancestrais, como a pintura a têmpera, mas também técnicas relacionadas com novos materiais, por exemplo na África do Sul, com grandes peças entrançadas em cabos telefónicos coloridos. Muitas vezes, a urgência da situação e a necessidade levam o ser humano a inventar formas de arte completamente inesperadas. Estamos num mundo de imagens continuamente renovadas e essas imagens não são apenas as reveladas pelos nossos ecrãs, mas também as criadas nas aldeias à beira das estradas ou nos subúrbios das megacidades mundiais. Não esperava passar tanto tempo em Portugal quando vim aprender cerâmica. Mas essa técnica e a fábrica onde trabalho oferecem-me tantas possibilidades que pratico essa técnica há sete anos e ainda não terminei.

 

"A Arte não se pode divorciar da Natureza”, pode ler-se na exposição. Num momento de euforia com as valências da Inteligência Artificial qual a pertinência desta afirmação?

A frase é do meu amigo, Kwame Akoto dit Almighty God, artista ganês que fez o meu retrato e que pintou esta frase acima do meu rosto. Devo dizer que esta frase é um pouco misteriosa para mim. Mas tenho certeza de que ele está certo, porque esse artista também é um grande filósofo. Para mim, a natureza também é arte e o pintor é também um filósofo.

 

Qual o papel da arte, ou das distintas formas de arte, na sociedade atual?

Já não sei! Porventura gostaríamos que a arte fosse difundida, entrasse nos lares, que o mundo fosse habitado apenas por amantes da arte, mesmo modestos, e que o mundo fosse conduzido por artistas. Infelizmente, hoje em dia, a arte está cada vez mais reservada a uma elite cada vez mais rica e distante da realidade. O mercado desconecta completamente a criação da realidade. E a visão atual que temos disso é totalmente distorcida. As grandes marcas compram os artistas e os museus são subsidiados pelas grandes marcas. Nos anos 80, a indústria do luxo tomou conta da arte contemporânea e fizemos um brinquedo para herdeiros ricos! Já não entendo muito bem o que está acontecendo, mas sei que há muita resistência em projetos coletivos, artistas que se juntam e que decidem trabalhar de outra forma, expor diferente. MIAM faz parte dessa cultura de resistência.

 

Com uma obra pessoal vastíssima e um notável Museu com largos milhares de obras onde acaba o artista e começa o colecionador?

Sou apenas um artista que coleciona e que pode ter nas suas coleções como que uma fonte infinita. É como na banda desenhada, nunca fiz, não consigo, é muito fastidioso para mim. Mas sou um grande fã, um grande colecionador de histórias em quadrinhos, das quais também tiro muita inspiração.

 

Entendemos as edições efetuadas no CPS como colaborativas e humanizadas, qual a importância da obra gráfica e do múltiplo de arte na tua obra?

Quando eu tinha 14 anos, não eram exposições que eu queria fazer, mas livros, papel impresso, papel de impressão, jornais, fanzines, revistas, gravuras. Eu queria imagens originais e não reproduções, mas que fossem distribuídas para o maior número de pessoas possível. As técnicas de impressão sempre me fascinaram, desde a gravura em cobre que exige muito trabalho, muita prática, até à gravura em cartão que é efémera e da qual apenas se fazem alguns exemplares. Hoje também gosto de fazer livros para bibliófilos. Recentemente, produzi um livro sobre os textos de Savinien Cyrano de Bergerac, que mistura litografia e serigrafia. É um grande luxo poder trabalhar com profissionais dessas diferentes técnicas de impressão, em grandes projetos que demandam muitos recursos. Mas um fanzine em fotocópias também me interessa. Devo ter feito 250 livros e catálogos e centenas de gravuras e serigrafias. E continuo apaixonado por essas técnicas. Nesse contexto, também tenho utilizado técnicas contemporâneas com programas gráficos, imagens inteiramente criadas no iPad, cujo original é, em última instância, um código.

 

 

"Ídolo caído”, serigrafia que Hervé di Rosa criou para o CPS, no contexto da sua exposição no MAAT (56 x 76 cm, 150 exemplares).

 

Fala-nos da serigrafia agora editada e que assinala a relevante exposição no MAAT.

Esta é a primeira serigrafia da série "Ídolos". Nos últimos anos, tenho trabalhado em pinturas onde dois amigos errantes caminham por ruínas imaginárias, uma arqueologia invisível. Muitas vezes são grandes edifícios, em forma de ídolo com muitos olhos e muitos membros. Nesta obra os nossos amigos errantes deparam-se com um ídolo encalhado na beira da praia, a ruína de uma antiga civilização esquecida, uma orgulhosa civilização que agora desapareceu.

 

Com a arte em campo aberto, que recomendas aos sócios colecionadores do Centro Português de Serigrafia?

Já quando vamos escolher uma obra de arte, é bom ser aconselhados por alguns entendidos ou ler algumas revistas especializadas. Os nossos gostos não são necessariamente os melhores e sou muito cauteloso com os meus. Em todo o caso, para a aquisição de serigrafias ou gravuras, aconselho a comprar sempre obra gráfica original. Isto porque circulam muitas reproduções que não passam de simples posters assinados. São tantos os artistas diferentes representados pelo Centro Português de Serigrafia que me é muito difícil escolher. O meu conselho: comprem tudo.

 

Entrevista por António e João Prates, julho 2022