Margarida Lourenco présente dans œuvres qui marquent ses débuts au CPS, la connaissance et l'art de combiner magistralement plusieurs techniques : impression numérique, sérigraphie impression, collage et gravure. Cela justifie pleinement la couverture du magazine "arte" de CPS Hiver 2021, qui se distingue également par l'éloge de la maîtrise et du détail de l'Atelier CPS dans l'impression des éditions.

Margarida Lourenço est Né à Lisbonne, diplômé en Sciences Mathématiques. Il s'est également formé au dessin et à la peinture, mais c'est dans la gravure, dans ses multiples possibilités techniques, qu'il a développé ses compétences artistiques, étant membre de l'Association de gravure Água-Forte.

Cette série éditée par le CPS, ponctué du diptyque, s'articule dans l'observation attentive de la nature, dans sa poétique, dans la valeur de la manuelité et dans l'éloge du papier, comme un soutien privilégié. Nous avons interviewé l'artiste dans l'un de ses environnements préférés : l'Atelier CPS.

Quelle importance accordez-vous aux différentes techniques utilisées dans la production d'art multiple, dans le contexte de votre travail

Ils sont tous également importants dans le cadre de mon travail.
La possibilité de combiner différentes techniques telles que la gravure classique (eau-forte, eau-encre, chine collée, manière noire, etc.) ou contemporains (comme les techniques additives et le photopolymère), la sérigraphie, l'impression numérique et le collage permettent une énorme liberté de création, dans la phase de construction d'une image qui pourrait générer une édition d'art multiple.
Chez CPS j'ai trouvé une excellente équipe technique ; la technologie, avec la direction artistique d'Alexandra Silvano et l'Atelier CPS où vous pourrez utiliser aussi bien d'anciennes presses de calcographie et de lithographie que des équipements de sérigraphie et d'impression numérique les plus modernes. Dans ces circonstances exceptionnelles où le dialogue entre auteur et équipe technique se déroule naturellement, les conditions sont créées pour la production de multiples éditions d'art de haute qualité artistique.

Ces éditions s'appuient sur un thème vécu identique : l'observation attentive de la nature. Quel est son contexte et sa pertinence par rapport à l'époque actuelle ?

Dans mes fréquentes déambulations au milieu de la nature qui est proche de moi. A proximité, notamment à São Martinho do Porto, j'observe des choses aussi simples que la façon dont les arbres et les plantes poussent, comment ils se connectent et semblent communiquer entre eux. J'observe comment ils se révèlent aux premières lueurs de l'aube, souvent enveloppés de brouillard, et je ressens la beauté de l'instant comme suspendu dans le temps. J'ai l'impression de faire partie de cette nature et que je n'en suis pas extérieur, du moins à ce moment-là.
Mais la nature est là. être détruit par l'homme par ignorance, insouciance ou cupidité, sans voir que détruire la nature se détruit elle-même.
É Il est urgent que la défense de la nature soit diffusée, comprise, ressentie et pratiquée par tous !

Ils dénotent également un aspect esthétique de proximité. Est-il logique d'évoquer la culture japonaise traditionnelle, dans son sens sacré et contemplatif ?

Bien sûr que oui. De manière de plus en plus urgente, l'amour et le respect de la nature dans la culture traditionnelle japonaise devraient être un exemple à suivre.
Dans la poésie japonaise sur la nature, j'aime particulièrement Matsuo Bashô (1644-1694). Assário e Alvim a publié «L'Ermite voyageur» par Matsuo Bashô (Haïkus-Ouvrage complet).
Le haïku est ; un triplet de 5-7-5 syllabes dans lequel Bashô mettra au premier plan de vos vers tout ce que même là était méprisé : les grenouilles côtoyaient les tigres, les herbes rampantes aussi respectées que les châtaigniers, les soucis aussi merveilleux que les fleurs de prunier. É C'est sur cette base d'inclusion globale et holistique qu'il situe la source d'où découlent naturellement ses poèmes.

Il a utilisé différents papiers : Tiepolo de Fabriano, Guinwashi japonais et fabriqués à la main du Népal. Comment le papier, en tant que support, reflète-t-il vos objectifs ?

Quand je recherche l'essence des images, le choix du papier fait main à base de fibres végétales est essentiel. une partie fondamentale de mon travail, étant étroitement liée aux thèmes de la nature.
En le manipulant, j'ai l'impression que, tout comme un lichen, il est symbiose d'un champignon avec une algue, le papier et mon travail forment une symbiose donnant naissance à l'œuvre finale.

Les papiers japonais Ginwashi et Kinwashi sont fabriqués à partir de fibres de kozo et de chanvre de Manille, avec des inclusions de fibres sur une face et lisses sur l'autre. Le journal népalais Lokta est fait à main avec des fibres internes d'arbustes à feuilles persistantes.
Doux. Couleurs intenses et profondes. Avec des bavures. Le papier Lokta peut durer plusieurs millénaires (2 000 à 3 500 ans).

À quoi ça ressemble ? Le contact direct avec l'art contribue-t-il à l'amélioration de la société contemporaine ?

Le matérialisme, la situation économique, la compétitivité, la vitesse de l'évolution technologique, l'exigence de réussite personnelle et professionnelle, la solitude, caractéristiques de la société contemporaine peuvent être des facteurs de stress et de démotivation. D'un autre côté, le contact direct avec l'art peut contribuer à libérer l'esprit et encourager la recherche et la découverte d'œuvres susceptibles de contribuer à un épanouissement personnel plus heureux.

Qu'aimeriez-vous transmettre aux jeunes collectionneurs et amateurs de votre travail ?
Puissent-ils continuer à être intéressés participent activement à la culture, en particulier aux arts visuels, en visitant des musées, des galeries, en suivant des cours, des ateliers ou des séminaires et en commençant ou en poursuivant une collection soignée d'œuvres d'art qui les font rêver.

Dans un monde vertigineux et globalisé, qu'attend-on actuellement d'un artiste ?
Pour faire la différence ; Le! Quelle surprise! Puisse-t-il susciter la réflexion !