Pedro Calapez (né en 1953) est Il est actuellement l'un des artistes les plus renommés de sa génération. Son travail a été exposé dans plusieurs galeries et musées au Portugal et à l'étranger, étant représenté dans d'importantes collections telles que le Musée National Centre d'Art Reina Sofia de Madrid, le Musée Serralves. à Porto, la Fondation EDP, la Fondation Calouste Gulbenkian et la Collection CGD à Lisbonne, ou la Banque Centrale Européenne à Francfort et la Chase Manhattan Bank à New York, entre autres collections publiques et privées.

Nous a interviewé l'artiste à l'occasion des deux nouvelles sérigraphies réalisées pour le CPS , "Les Rêves de Faust".

 

Après la série précédente, "Caught", Parlez-nous un peu de cette nouvelle série, "Les Rêves de Faust".

Il y a Il existe une certaine continuité en termes de processus technique entre les séries «Apanhados&rdquo ; de 2020 et cette série de 2022 que j'ai intitulée « Les Rêves de Faust ». Tout a à voir avec des idées de travail mises en œuvre en série. Il y a généralement des situations dans lesquelles le processus de travail de base finit par avoir des similitudes, pour ainsi dire, bien qu'il s'agisse d'idées différentes.

J'aime titrer les œuvres, avant d'avoir les « ;Variations», «Murs». ;, «Windows». Puis le «Apanhados» et maintenant «Les Rêves de Faust». Des références qui reviennent ou dérivent de ce qui me passe par la tête à chaque instant.

Ces titres, qui apparaissent toujours a posteriori, n'a pas l'intention de déterminer de manière illustrative les images créées, mais il y a tout ce que les œuvres évoquent et me fait titrer chaque œuvre ou séquence d'œuvres.

En ce qui concerne «Apanhados» Nous avons réalisé une impression jet d'encre qui a ensuite été recouverte par une impression finale qui est Cela se fait manuellement, avec une spatule spéciale qui finit par faire glisser une couche de peinture sur ce qui se trouve en surface. sous. En simulant toujours le même geste, mais avec des résultats légèrement différents, on est ici presque dans le domaine du monotype. Les imperfections, ou plutôt les différences que l'on remarque dans une édition normale de gravure, comme il y en a Toujours de petites situations d'encrage ou de déplacement du papier, ou de petites variations de pression, ici elles sont peut-être plus importantes, car elles sont le résultat d'un traînage manuel, de manière plus mécanique seulement possible, avec la spatule ou la raclette sur la surface du papier. Cependant, je ne les considère pas comme des monotypes car le côté répétitif est susceptible de changer. toujours très présent dès la première couche d'impression.

  

 

Pedro Calapez, Série "Les Rêves de Faust", Sérigraphie imprimée avec peinture de l'artiste, 56 x 76 cm, 78 exemplaires, 2022

 

Nos «Apanhados» il y a Il y a tout d’abord une forte oblitération de l’image imprimée, créant une certaine obscurité qui restreint la vision claire de ce qui est imprimé. sous. Maintenant Dans "Sonhos de Fausto", les deux couches de peinture sur l'image initiale, obtenues dans ce cas par sérigraphie, provoquent des différences visuelles dues aux couleurs utilisées et à leurs transparences. Je dois maintenant mentionner que la première impression, que ce soit dans une série ou une autre, est obtenu par des dessins et des peintures numériques, donc réalisés sur ordinateur et, alors que dans "Apanhados" l'image est entièrement réalisé numériquement, dans "Les Rêves de Faust", il est Il est basé sur des dessins à l'encre ou à l'encre noire provenant de mes cahiers quotidiens, qui sont ensuite numérisés et mis à l'échelle sur l'ordinateur et une visualisation du résultat final est développée, grâce à l'inclusion de couches numériques de couleur, vous permettant d'étudier différentes options visuelles. . Deux de ces designs ont été choisis puis, chez CPS, des tests de sérigraphie ont été réalisés. Les deux couleurs manuelles de la deuxième couche créent comme deux plans sur le dessin, un dessin qui, étant très fort, avec un trait épais et expressif, révèle le "créé par l'artiste". "mains libres", c'est comme un dessin provenant d'un stylo ou d'un pinceau géant.

 

Pedro Calapez, Série "Les Rêves de Faust", Sérigraphie imprimée avec peinture de l'artiste, 56 x 76 cm, 78 exemplaires, 2022< / span>

 

La question de la série, qui commence maintenant «Les Rêves de Faust», a à voir avec lectures récentes du Faust de Goethe et aussi de Fernando Pessoa, bien que dans le cas de Pessoa, son Faust résulte de la combinaison de multiples notes et poèmes de lui, qui ont abouti à Deux ou trois possibilités résulteront d'un livre, selon le travail de différents chercheurs, sur la façon de commander ces fragments. Le Fausto de Pessoa n'a pas été publié sous forme de livre de son vivant. Mais les versions dont nous disposons aujourd'hui révèlent le lien avec l'idée de chercher, d'apprendre qu'acquérir des connaissances est nécessaire. tâche illimitée et que nous ne savons pas ce qui se passe. Va là-bas de «connaissance totale» et pourtant réalisez qu'il ne s'agit pas d'une recherche vaine, mais d'une recherche sans fin.

 

Oui, c'est le cas ; C’est une demande infinie et cela amène à une autre question. Dans quelle mesure l’état de veille, entre rêve et éveil, est-il une réalité ? Est-ce pertinent pour votre création visuelle ?

Il se passe beaucoup de choses sur le sommeil et les rêves, et de l'endormissement au réveil. En fait, c'est Il est courant de dire qu'au réveil, des idées apparaissent comme des solutions à ce qui vous inquiète. Je m'endors souvent en pensant à ce que c'est. que je vais résoudre un certain problème, comment ça se passe ? que mon travail va continuer. Cela signifie que mon cerveau sera travailler au-delà des rêves troubles qui me secouent chaque nuit et dont je me souviens peu au réveil, et que de cette manière des chemins imprévisibles sont obtenus dans le processus créatif.

D'où, comment est cet environnement ? Présente au quotidien de mes lectures actuelles, l'idée d'utiliser ce titre m'est venue, comme si ces œuvres étaient le résultat d'un rêve.

 

< strong>Et dans cet état, vous n'êtes ni éveillé ni endormi, et puis vous n'êtes pas réveillé. il y a est une réponse possible à vos questions.

Quand je me réveille, je me souviens vraiment, comme la plupart des gens, de la fin des rêves, mais ensuite tout disparaît et maintenant Je ne me souviens pas de l'histoire qui m'est devenue claire en ouvrant lentement les yeux. Quand tu te réveilles pendant la nuit, j'ai parfois envie de me rendormir, poursuivant ainsi l'histoire dont je rêve. Cela m'arrive souvent, mais parfois je peux continuer, parfois non. Les idées au réveil, certaines sont bonnes, d’autres ne servent à rien (rires). Mais de toute façon, ce sont des idées, on finit par passer aux actes. revenons sur ces situations qui finissent par appartenir au processus créatif. Ils en font partie, ils ne sont pas décisifs, ils n'en sont pas le noyau, mais on peut dire que parfois ils m'aident beaucoup.

 

< span style="font-size: x-small;">Pedro Calapez à l'Atelier CPS. Intervention manuelle avec peinture sur sérigraphies préalablement imprimées.

 

Je me suis souvenu de &ldquo "Guardador de Rebanhos", de l'époque triomphale de Fernando Pessoa, situation similaire dans laquelle il écrivait d'un bout à l'autre; un autre tout ce livre fabuleux.

Bien sûr. Par curiosité, j'ai réalisé une série de dessins et créé une sorte de texte poétique en supprimant sélectivement quelques vers du «Guardador de Rebanhos». Donc cet aspect de l'utilisation des livres, qui a à voir avec le fait de ramasser des choses qui m'intéressent de manière inattendue, là où c'est parfois un problème. juste un mot ou une ligne qui m'arrête net, n'est-ce pas ? Pour moi, c'est plus important que d'être totalement impliqué dans une œuvre, un poème ou une strophe en particulier. Mais ce n'est pas Est-ce vraiment ce qui nous pousse à lire de la poésie ?

 

En partant d'ici «Les Rêves de Faust», le résultat est également a un caractère indéfinissable, c'est-à-dire que les œuvres n'ont pas de rendez-vous, elles n'ont pas de temps.

Une idée est Qu'y a-t-il ? un dessin et le dessin est prêt. sur la limite entre ce qui est abstrait et ce qui pourrait représenter n'importe quoi et que tout va d'un objet à un paysage. Ou le sens de la construction : il y a ; C'est une construction dans l'union ou la circulation des lignes épaisses, mais tout se transforme en plans de couleur qui coulent par-dessus. Pendant le développement de l'œuvre, c'était amusant d'explorer deux situations différentes - comme vous le savez, si j'avais eu le temps, j'aurais réalisé une série d'au moins 10 sérigraphies différentes pour être, comme vous dites, « intervenu ». < Quand on regarde l'une et l'autre, dans le cas de ces deux éditions que nous venons de terminer, on voit bien que l'effet visuel est complètement différent. Alors qu'on est "nocturne", où les blues se prolongent l'un dans l'autre et créent un certain environnement d'obscurité, je ne dirais pas spirituel, mais de réflexion introspective, l'autre est «festif», beaucoup plus contrasté et vibrant, est un contraste intense entre deux couleurs. La couleur finit par déranger et presque s'opposer au fond. Le design en sérigraphie. É C'est le jeu, n'est-ce pas ? Je dois beaucoup compliquer les choses, il y a beaucoup de problèmes. un travail qui est visuel et est C'est dans le ressenti des tensions entre ses différents éléments qui structurent chaque œuvre. Les différents plans, le plan de sérigraphie et le plan des deux couleurs sont visuellement à des endroits différents et la façon dont vous vous regardez et vous voyez est différente. Ces différents mouvements de surface caractérisent distinctement chacune de ces deux nouvelles œuvres.

 

De. bien sûr, je pense que c'est la meilleure option. la finalité de l'œuvre d'art. Une œuvre d'art qui ne fait pas que fonctionner. à travers les sens, sachant que les couleurs excitent immédiatement nos yeux. Ce que je vise à réaliser, c'est que les images que je produis, d'abord en moi, parce que je les fais, parce que je les découvre, sont regardées et que ces regards sont capables de se connecter à des manières de penser, que ces images provoquent des doutes féconds pour chacun la pensée de la personne. Et cela provoquera, comme vous le dites, des réactions différentes. Ce n'est pas C'est une histoire qui se raconte, cette histoire que les images contiennent en elles-mêmes est définitivement une autre histoire.

 

Séance de numérotation et signatures des œuvres avec vérification finale

 

< p>É un processus de continuité, certes et qui peut être générationnel. Et voici un petit aperçu de l'univers des Partenaires du Centro Portuguê Nous avons des enfants et des petits-enfants de députés plus âgés qui regarderont différemment les mêmes œuvres ou les œuvres antérieures de leurs parents et grands-parents et cette transmission perdurera. De là, une autre question se pose. Quelle importance accordez-vous au multiple ou au nombre ? une œuvre graphique, étant donné qu’elle s’adresse à un spectre de spectateurs plus large ?

Le cœur du travail graphique est : sa multiplication, est Il touchera un plus grand nombre de personnes, car en plus de pouvoir voir une œuvre dans un musée, ils pourront avoir chez eux une œuvre qu'ils pourront regarder pendant deux secondes chaque jour. Et comme nous sommes tous des personnes différentes et que nous n'aimons pas tous les mêmes choses, l'ajout de ces différences générationnelles, de père, d'enfants et de petits-enfants, implique qu'il existe Il y a toujours quelque chose en arrière-plan qui touchera tout le monde, car même lorsque vous voyez une œuvre qui ne vous intéresse pas beaucoup et qui est toujours là pour vous. Si vous causez des problèmes, vous avez des ennuis. questionnant, elle demande. remplissant ainsi sa fonction. É le plus important.

Cette attitude du CPS de former des générations a au moins un énorme mérite, car elle a transmis, plus qu'une certaine image des parents aux enfants, un enseignement sur la façon de regard, un questionnement individuel et collectif.

Le multiple, l'œuvre graphique est une forme de réflexion. Pour moi, c'est aussi valable que toute autre forme d'expression plastique, comme un original unique. unique et dont il n'existe pas copies. Aujourd'hui, il y a des copies de tout parce que tout se multiplie aussi, cela a à voir avec les images que l'on voit sur les téléphones portables, à la télévision, dans les jeux vidéo. Ce sont des images qui sont mises à notre disposition, gratuitement. Il y a certaines œuvres qui ne font que peut être vue au musée, mais ces œuvres finissent par avoir, de nos jours, une diffusion si extraordinaire à travers les médias électroniques, qui provoquent un désir immédiat d'accepter qu'une œuvre n'est pas Si elle ne doit pas être unique, elle est unique. Il est accessible à de nombreuses personnes, il fait partie du musée imaginaire que nous créons en nous-mêmes. A travers les nombreux supports médiatiques existants, il se transmue en objet.

Dans le cas des sérigraphies et des gravures, la multiplication par le numéro d'édition n'entraîne pas nécessairement une accessibilité en termes de valeur, ce qui démocratise encore davantage la question. de son accessibilité.

 

Nous, comme vous le savez, les éditions sont irremplaçables du point de vue de l'appréciation future . aujourd'hui c'est irremplaçables (rires), à partir du moment où ils apparaissent dans un magazine ou ont été photographiés dans un message sur un téléphone portable, …

 

Votre image ne sera pas visible. C'est irremplaçable, mais les éditions, évidemment liées à notre déontologie, sont irremplaçables et nous les encadrons dans l'œuvre graphique dite originale, dont par essence l'artiste, tel qu'il est, est responsable. votre cas, n'est-ce pas ? mis au défi de réaliser un projet unique. l'original doit être multiple.

Je pense qu'il y a Il n’y a eu qu’un seul cas où j’ai fait un dessin et il a été reproduit de manière très similaire au dessin original. Mes sérigraphies, gravures, n'ont pas d'original qui les a réalisées, l'original est l'original. C'est la gravure elle-même, car elle est née du processus graphique lui-même, elle a été construite et la reproduction est réalisée. l'image qui est réalisée par un processus mécanique. On voit souvent Qu'y a-t-il ? une image puis sa reproduction. Je ne dis pas qu'il y a Malheureusement, de nombreux artistes réalisaient des dessins et étaient ensuite signés deux fois, par l'auteur du dessin et par l'auteur de sa transcription pour le procédé mécanique. Matisse avait un procédé : dans certains dessins qu'il faisait, il utilisait un crayon spécifique de telle sorte que, dans ce cas, lithographe, il les transcrivait par un procédé que je pense au décalcomanie pour transfert sur la pierre.

< p> Ce que je veux dire, c'est ; Qu'y a-t-il ? Il y a toujours de nombreux participants dans le processus et cela ne diminue en rien la qualité du résultat, à condition qu'il soit correctement contrôlé par l'artiste. Dans la plupart des œuvres que je réalise, cette reproduction - déjà est Il est difficile de parler d'original lorsque les originaux sont des œuvres numériques - est dématérialisé parce qu'il est en l'occurrence un dessin électronique, qui est transformé pour être imprimé. Il y a des collectionneurs qui disent «J'ai l'original qui a donné lieu à cette édition». Dans mon cas, c'est le cas ; C'est une situation difficile à réaliser.

 

En fin de compte, l'art et dans ce cas spécifique à nos éditions , ils cibleront un public plus jeune, ce qui est important. Qu’aimeriez-vous transmettre aux collectionneurs et aux amoureux de votre travail, en pensant davantage aux plus jeunes, en pensant en quelque sorte à la continuité et à l’avenir du look ?

Je n'aime pas vraiment faire la distinction entre jeunes et moins jeunes, car on est jeune à tout âge. La notion de jeunesse doit inclure la prédisposition à accepter la nouveauté, à se remettre en question face à ce dont nous n'avons pas conscience. comprendre, accepter et essayer de se connecter avec ce qui se passe. à voir : la jeunesse du regard passe par ces conditions. Donner à commencer à tout âge. É Bien sûr, plus vous devez vous laisser éblouir par ce que vous vivez, voir c'est lequel est le plus important. Plus cette pratique se fait de manière naturelle et sans pression d'aucune sorte, plus nous nous rapprochons du «fonctionnement» que l'art devrait ont.En ce sens, les «jeunes» les collectionneurs seront ceux à qui je m'adresse toujours.

 

Interview de João Prates, décembre 2022