Nature de Guimarães, Marisa Ferreira (née en 1983) vit et travaille en Norvège depuis 2008. Son travail, qui comporte une composante d'art public, a déjà été reconnu comme projet d'art public. montré avec un grand succès au Portugal et à l'étranger. La création de Marisa Ferreira est interactif et vous invite à participation des spectateurs, «forçage» pour assumer différentes positions dans l'espace.

Pour la création de la nouvelle sérigraphie 3D, nous avons discuté avec l'artiste.

Quelle importance accordez-vous à le travail graphique et le multiple dans le contexte de l'œuvre ?

Les œuvres sur papier, dont l'œuvre graphique fait partie, assument un aspect important, bien que rarement vu, de ma pratique artistique. Ce sont des œuvres qui me permettent de travailler sur des idées, mais je dirais qu'elles constituent une partie unique et distincte de ma pratique où j'utilise une variété de matériaux papier, du papier millimétré au papier millimétré, qui vont au-delà du dessin, du collage ou impression d'écran. Il s'agit généralement de compositions chromatiques qui présentent des fragments de bâtiments architecturaux, pour que l'on puisse penser la ville comme un fragment, une vision mais aussi une mémoire, eux-mêmes organisés selon des séquences mathématiques ou des compositions à un ou deux axes de symétrie.

Spécifiquement en ce qui concerne cette œuvre, elle se distingue par son chromatisme énergique et la repensation de la position du spectateur. Comment reliez-vous ces attributs ?

Les attributs auxquels ils font référence ne sont pas propres à cette œuvre, je dirais même qu'ils sont présents dans toutes mes œuvres. Je m'intéresse à explorer la relation entre l'art/corps et l'art/contexte, l'espace a été un médium très intéressant pour moi. Je suis donc intéressé à explorer le rôle de l'observateur dans sa rencontre avec mon travail, d'où Je crée des compositions qui invitent à une expérience physique et émotionnelle de la couleur, dont la perception est est affecté par la position de l’observateur dans l’espace. Si l'on pense au travail de Josef Albers sur la couleur, lorsqu'il affirme que la couleur est l’élément le plus relatif de l’art, puisque nous ne percevons jamais la couleur telle qu’elle est physiquement. et c'est pourquoi je peux parler de la couleur bleue (mon bleu est 945, je vois les couleurs en chiffres), et nous pouvons avoir vingt personnes ici qui pensent au bleu que j'ai mentionné et je crois fermement que nous penserons tous à des bleus différents. je crois que c'est C'est précisément à ce moment que mon travail quitte le domaine scientifique et entre dans la sphère culturelle.

Vivant à l'étranger, il fait partie d'une nouvelle génération d'artistes dynamiques à l'échelle internationale. Qu’est-ce qui vous a le plus marqué dans l’évolution de votre travail ?

Je ne peux pas énumérer un seul aspect qui m'a influencé, car je crois que mon travail, directement ou indirectement, reflète un ensemble d'expériences, d'expériences et de partage de connaissances que j'ai développé au cours de ces 12 années. vivant à Oslo (Norvège) et à Londres (Angleterre). Pour moi, vivre à l'étranger a été avant tout l'occasion d'apprendre d'autres méthodes de travail et de réfléchir à ma pratique artistique sous différents angles.

Propriétaire de plusieurs ouvrages publics, comment la coexistence directe avec l'art contribue-t-elle à l'amélioration de la société contemporaine ?

Les travaux publics sont C’est une partie importante de ma pratique artistique. Cela comprend non seulement ; Ce n'est pas l'objet final, mais une série de dessins, modèles et photographies qui font partie d'un processus créatif où j'essaie d'expérimenter des idées et différentes manières de résoudre les problèmes que présente chaque pièce. Je ne sais pas si j'appellerais cela «perfection» mais avant cela, un contact fréquent avec l'art contribue au développement de la pensée critique, si nécessaire et urgente dans la société contemporaine.